En esta segunda parte Refik Anadol demuestra su síndrome de Estocolmo con la IA mientras su coleccionista sonríe. Además: una curiosa definición de «arte público», una redefinición de «audiencia» y de cómo los montajistas son co-creadorees de las obras donde trabajan —ojalá ganaran como el coleccionista.
*Tomado de The ARTnews
** Traducción Chat GPT 3.5
Por Harrison Jacobs
ARTnews: Cambiemos de enfoque para hablar con Refik Anadol. Ryan, ¿puedes hablar un poco sobre por qué conectaste con el trabajo de Refik?
Ryan Zurrer: Refik [Anadol] es uno de los pocos artistas digitales que tuvo una práctica altamente exitosa antes de los NFT. Fue capaz de encontrar el éxito comercial a nivel global sin ese momento crucial de escasez digital. La escasez digital simplemente permitió que más personas lo coleccionaran. Compré su NFT, Machine Hallucination: Synthetic Mars Terrain, en 2021. Lo que siempre me ha atraído de su trabajo es su naturaleza generativa. Su trabajo es un río en el tiempo. El espectador nunca ve lo mismo dos veces.
ARTnews: Refik, comenzaste principalmente haciendo grandes encargos de arte público antes de la era de los NFT. ¿Fue esta interacción pública lo que te atrajo hacia esa escala?
Refik Anadol: En 2008, cuando estaba estudiando la licenciatura en Estambul, programé mi primera obra de arte con datos y lenguaje de programación visual. En ese momento, acuñé el término «pintura de datos» con la idea de que los datos son una especie de memoria que puede tomar cualquier forma. Estoy agradecido con el artista conceptual austriaco Peter Weibel, a quien perdimos este año, y la mentalidad que me dio. Inspiró a muchos artistas de medios en el mundo, y tuve la oportunidad de trabajar con él. Su visión era que los artistas debían empujar los límites del arte, la ciencia y la tecnología al siguiente nivel. Así que vengo de esa hermosa comunidad de imaginaciones. [Mientras estudiaba en UCLA], hice mi primer performance audiovisual en la fachada de un edificio y, por primera vez, me encontré con cómo la comunidad y el público reaccionan ante algo fresco y nuevo. Durante años, realicé proyectos en edificios y espacios públicos. Imaginé que el arte debería ser para cualquiera, de cualquier edad, origen o cultura. Esa siempre fue mi motivación.
An: Antes, Ryan mencionó cómo la escasez digital de los NFT fue un punto de inflexión para muchos artistas digitales. Refik, ¿fue parte de tu atracción hacia los NFT?
A: Los gráficos por computadora siempre han sido mi marco principal, y todo mi arte digital se basa en general en gráficos generado por computador. En 2016-17, trabajaba con [la empresa de tecnología] Nvidia para encargar muchas obras. Estaba rodeado de unidades de procesamiento gráfico y estaba aprendiendo sobre la cadena de bloques. Ya había comenzado a minar criptomonedas y estaba aprendiendo sobre la cadena de bloques y la cultura que la rodea. Pero los NFT fueron un avance. Fue este momento de conexión con comunidades, de conexión con personas como Ryan y de conexión con otras personas que se apoyaban mutuamente. Nunca vi ese tipo de apoyo en ningún otro medio. He estado en inauguraciones de exposiciones, y nunca sentí ese mismo poder de comunidad. Fue como magia, una magia que rara vez ocurre en cualquier forma de arte. Así es como me introduje en ese espacio y ahora tengo una comunidad de Discord de 17000 personas. Todas las mañanas, me despierto y saludo y me conecto con todos allí. Es ridículamente activa.
An: ¿Qué significa para ti como artista tener esa comunidad incorporada? ¿Cómo afecta a tu práctica?
A: Hay dos escalas [de apoyo]: una es alguien como Ryan; coleccionar es parte de su apoyo, pero es más que eso. Para mí, un verdadero coleccionista y mecenas como Ryan está pensando, hablando, compartiendo [conmigo] y apoyándome durante todo el viaje. Además, hay otros miembros de la comunidad que operan en una escala diferente. Incluso con piezas humildes está la voz de la comunidad. Y cuando conectas a todas esas personas, tienes esta increíble comunidad en torno a la obra y el estudio. Eso es lo que nos motiva a mí y al estudio cada mañana. Esto arte público en desarrollo.
Z: Esa comunidad es emblemática del cruce entre la cultura y la criptografía. El tono está establecido por su liderazgo. Refik establece este marco de ánimo positivo y hay un gran significado detrás de su trabajo. Por ejemplo, la reciente colección de NFT de Refik, Winds of Yawanawá, apoya a los pueblos indígenas en Brasil. El capital [generado] por ese proyecto cambia verdaderamente la vida de toda una tribu. Estoy en unas 200 salas de Discord, y la de Refik es indiscutiblemente la más positiva de la que he sido parte.
An: El Museo de Arte Moderno de Nueva York acaba de adquirir un NFT de la obra de Refik inmediatamente después de la exhibición de Unsupervised [allá mismo]. Ryan, ¿puedes hablar sobre lo que significa ese respaldo institucional al arte digital?
Vista de la exposición «Refik Anadol: Unsupervised», Museo de Arte Moderno de Nueva York
Z: Mi esperanza es que miremos hacia atrás y reconozcamos este momento por la importancia histórica que tiene. Catalizó el reconocimiento entre las principales instituciones de arte de que el camino para atraer a visitantes al museo después de la pandemia es el arte digital. Cuando se muestra correctamente, a gran escala, el arte digital crea asombro en los espectadores y atraerá multitudes. Una nueva generación de personas quiere arte dinámico, que cambie. Si van a regresar al museo, no quieren ver lo mismo. Quieren ver algo que esté constantemente evolucionando. Le doy crédito a las personas del Museo de Arte Moderno de Nueva York por entender el espíritu cultural del momento. Unsupervised se inauguró dos semanas antes de que ChatGPT se hiciera público. La inteligencia artificial es el tema del momento, y el Museo de Arte Moderno de Nueva York lo capturó. Estoy emocionado de donar esta obra a MoMA. Pero debo reconocer que esto no es solo una donación mía y de [el coleccionista] Pablo Rodríguez-Fraile, sino de Refik. Él está aportando los servidores y pantallas y otros componentes. El NFT es una parte de esta obra conceptual que ahora pertenece al Museo de Arte Moderno de Nueva York.
A: Para cualquier artista vivo, el Museo de Arte Moderno de Nueva York es el lugar de ensueño en el que estar. Este es un sueño gigante y realmente increíble. Pero, como mencionó Ryan, el proceso de creación de la obra fue colaborativo. No solo los conservadores, sino los carpinteros, el equipo de tecnología, la seguridad, las relaciones con los invitados, todos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York se convirtieron en parte de la obra. Es una obra que se cocreó. Desde la recopilación, la producción, la creación del algoritmo de inteligencia artificial, encontrar el contexto y el discurso, trabajar con los conservadores y el equipo del Museo de Arte Moderno de Nueva York y el público. Esa es la alegría suprema para mí y el éxito supremo. Algunas personas creen que [Unsupervised] es IA. No es IA. Es una colaboración humano-máquina. Es un 50/50 por ciento de imaginación. No es solo una IA haciendo algo. Tomó 14 personas un año para sumergirse profundamente en uno de los mejores archivos de arte del mundo, para imaginar una IA que inspira, en lugar de imitar, la realidad. No se trata de crear otro Van Gogh o otro Monet. Se trata de encontrar una nueva forma.
An: La conversación pública ha explotado con Midjourney, ChatGPT y otras plataformas de IA recientemente. ¿Ha cambiado eso la forma en que te acercas a tu trabajo?
A: Creo que lo asombroso en este momento es que finalmente la IA tiene su momento. Finalmente, el mundo está prestando atención. Es un momento que creo que necesita ocurrir. He trabajado con IA desde 2016, cuando hice una residencia en Google. Se siente como si hubieran pasado 70 años debido a cuánto ha cambiado. Si trabajas en un medio convencional tus herramientas, la pintura, el pincel, no cambian. Pero cada mañana, me despierto con una nueva herramienta. Es una mentalidad muy diferente. Me encanta esta zona incómoda.
Pero no seamos ilusos. Actualmente, las herramientas están haciendo infelices a algunos artistas. No se sienten realizados. Este es un problema común, pero tengo una solución. Llevo años diciendo que todo artista que quiera explorar la IA debería crear su propio modelo de IA. Deberían ser capaces de clasificar sus datos y entrenar su modelo. Esta es una técnica muy desafiante, pero esta lógica puede hacer que las personas sean más responsables con sus modelos. Es difícil, pero es la forma de empujar los límites y crear algo que los artistas puedan poseer, desde el proceso hasta los datos y la narrativa.
La colección de NFTs de Refik Anadol Winds of Yawanawà (2023) generará [—valga la expresión—, GV] capital que beneficie a comunidades indígenas de Brasil.
An: ¿Crees que trabajar con empresas como Google y Microsoft afecta tu capacidad para examinar críticamente estas tecnologías?
A: ¿Cómo obtuvo Andy Warhol apoyo a finales de los años 60? En el LACMA, estaba el programa y la exposición de Arte y Tecnología. En ese momento, los artistas obtuvieron el mejor apoyo del mundo de la tecnología. Estamos en el mismo espacio ahora. Los avances pueden ocurrir, pero solo cuando el arte, la ciencia y la tecnología se unen. Es muy fácil [mantener la distancia objetiva] porque es arte. No es marca. Es un arte puro en el límite de la imaginación. Como artista, si miro al límite de la imaginación, veo archivos, veo conocimiento, veo la información del mundo. Y ese mundo se conecta con el mejor hardware del mundo. No creo que haya ninguna otra agenda oculta. Es solo nuestro mundo humano de datos que se conecta con la mejor tecnología del mundo.
An: Han pasado un par de años desde la explosión de los NFT. Ahora, estamos en el momento de la IA. ¿Qué ves como la próxima evolución o maduración del arte digital?
Z: Creo que obtendremos más arte dinámico, que evoluciona, especialmente a medida que se implementa la IA generativa en él. Y esta idea de que el arte puede ser un río en el tiempo y evolucionar en función de una variedad de entradas. Por lo tanto, algunas de las obras de Refik evolucionan en función del sonido y la luz y el impacto ambiental a su alrededor. También obtendremos obras que seguirán agregando puntos de datos y la obra evolucionará de esa manera.
A: El arte solo puede ocurrir si toca la mente y el alma al mismo tiempo. A pesar de que soy el artista que más trabaja con datos e IA, tengo una conexión espiritual con cada obra que hago. Eso proviene de ser humano. Aunque vamos hacia un mundo donde la IA y las máquinas tendrán un papel significativo en la humanidad, he encontrado que mi papel es cuestionar: ¿qué es la creatividad y qué es real? Lo que es real es la pregunta principal en las próximas décadas y solo quiero asegurarme de que nuestro trabajo traiga inspiración, alegría y esperanza a la humanidad. Para eso estoy trabajando, y seguiré trabajando tanto como pueda para llevar estos sentimientos al mundo.
