Una entrevista. Tres agentes del sector de la producción de arte de/con IA. ¿Una intoxicación de optimismo que hay que conocer para entender mejor sus efectos secundarios en nuestro campo? Quizá.
*Tomado de The ARTnews
** Traducción Chat GPT 3.5
Por Harrison Jacobs
La nueva incorporación a la lista de los 200 principales coleccionistas este año, Ryan Zurrer, es uno de los más prolíficos en arte digital, poseyendo importantes obras de Mike Winkelmann, Refik Anadol, Agnieszka Kurant, Sarah Meyohas y otros renombrados artistas digitales. Es el fundador y director de Dialectic y Vine Ventures, empresas de capital de riesgo que invierten en activos alternativos y en la comunidad psicodélica, respectivamente. El empresario suizo también fue director de la Fundación Web3, organización que financia la investigación y el desarrollo de protocolos de software web descentralizado, desde 2017 hasta 2019.
Mike Winkelmann (alias: Beeple), es un artista digital con sede en Charleston, Carolina del Sur. Su obra Everydays: The First 5000 Days, un collage de NFT de 5,000 imágenes de su serie publicada en redes sociales, se vendió por U$69´300.000 [$263´340.000.000 de la época] en Christie’s en marzo de 2021. Tanto que se le atribuye el punto culminante de la fiebre de los NFT de ese año. Zurrer adquirió la primera obra física de Beeple, Human One, escultura cinética de siete pies de altura basada en obras de video, por U$29´000.000 [$113´100.000.000 de la época] en 2021. Desde entonces, ha viajado al Castello di Rivoli en Italia y al M+ Museum en Hong Kong, y estará en exhibición en el Museo de Arte Americano Crystal Bridges en Arkansas hasta enero de 2024. A principios de este año, inauguró Beeple Studios, espacio de 50,000 pies cuadrados dedicado a la exhibición de arte digital.
Refik Anadol es un artista turcoamericano de nuevos medios que utiliza principalmente datos y algoritmos de aprendizaje automático para producir instalaciones inmersivas de sitio específicco y actuaciones audiovisuales en vivo. Después de cumplir con comisiones de arte público en lugares como el Walt Disney Concert Hall en Los Ángeles, y como primer artista en residencia de Google en 2016, se dio a conocer por crear instalaciones que visualizan datos de investigación ambiental que documentan el cambio climático en arrecifes de coral, glaciares y selvas tropicales. A finales del año pasado, su obra Unsupervised – Machine Hallucinations – MoMA (2022) se exhibió en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, utilizando el archivo visual del museo para producir un modelo de aprendizaje automático que interpreta y reimagina la historia del arte moderno.
A principios de este otoño, Zurrer, a través de su Colección 1OF1 y la Colección de Arte RFC, liderada por Pablo Rodríguez-Fraile y Desiree Casoni, realizó una donación de Unsupervised… de Anadol al MoMA, donde estará en exhibición hasta el 29 de octubre.
Zurrer se sentó con ARTnews para una entrevista en dos partes, primero con Winkelmann y luego con Anadol, para discutir el presente y el futuro del arte digital, la promesa de los NFTs y el significado de la creatividad en la era de la inteligencia artificial.
Beeple: Everydays: the First 5000 Days, 2021.
ARTnews: ¿Cuándo te enteraste del arte digital y los NFTs?
Ryan Zurrer: Conceptualmente, estábamos discutiendo los NFTs como una posibilidad en los primeros días del ecosistema Ethereum, alrededor de 2014. Vitalik Buterin [cofundador de Ethereum] publicó un glosario de conceptos novedosos que podrían ser habilitados por Ethereum, lo cual fue realmente emocionante. Sin embargo, me di cuenta de que estábamos presenciando el surgimiento de algo importante cuando vi que los artistas digitales podían tener escasez digital de su trabajo. Esto transmitía coleccionabilidad y, a partir de esa coleccionabilidad, encontraban libertad financiera y artística. Empezamos a ver destellos de eso en 2020.
Con las primeras ventas de Mike en Nifty Gateway [plataforma de subastas de NFT], se podía ver que estaba encontrando libertad financiera y artística después de una larga carrera como artista digital. Fue realmente inspirador.
An: ¿Fue esa idea de libertad financiera y artística lo que te atrajo hacia la cadena de bloques y los NFTs?
Mike Winkelmann: Casi no sabía nada sobre la cadena de bloques o los NFTs, incluso hasta cuatro meses antes de la gran venta en Christie’s. Aprendí mucho rápidamente, pero en cuanto entendí, me di cuenta de que esto no era necesariamente un momento nuevo. Esto fue un momento que otros medios habían atravesado en el pasado, que en un momento no eran considerados arte y de repente, sí. Me di cuenta de que la escasez digital, —la capacidad de coleccionar arte digital de manera más significativa—, era lo que estaba evitando que fuera respetado. El arte digital ya existía antes, simplemente no resonaba. Una vez que el medio adquirió escasez, todo hizo clic, y me lancé de lleno.
An: Has estado haciendo trabajos comerciales durante mucho tiempo. Pero, ¿desde la venta de Everydays…, has empezado a conceptualizar tu trabajo en relación con el mundo del arte con A mayúscula?
W: Eso definitivamente afectó mi práctica en gran medida. Antes de los NFT, no hubiera hecho arte físico, por ejemplo. Eso simplemente no era parte de mi proceso de pensamiento. Desde entonces, he hecho un montón de arte físico y veo el arte en el contexto completo del arte con A mayúscula. Ese mundo simplemente no formaba parte de mi pensamiento. Ambos mundos eran tan diferentes y yo estaba inmerso en este mundo del arte digital donde el arte tenía un significado general muy diferente. El arte digital se trataba de ideas, tu creabas esas ideas y luego las ponías ahí fuera. Nadie era dueño de las ideas. Las ponías ahí fuera porque, ¿cómo podrías ser dueño [de una imagen en internet]? ¿De qué estás hablando, ser dueño de un archivo?
An: Ryan, has observado la evolución del arte digital como coleccionista. ¿Qué cambios has visto? ¿Existen nuevas tecnologías que afecten la forma en que los artistas producen su trabajo o cómo lo coleccionas?
Z: Una de las innovaciones que más me emociona es el arte dinámico que evoluciona con el tiempo. Human One, es el ejemplo definitivo. Eso cambia la relación entre un coleccionista y un artista. Ahora, están embarcados en un viaje que harán juntos durante mucho tiempo. No saben a dónde va. Como coleccionista, debes contener tus impulsos y permitir que el artista tenga la libertad de convertirlo en su visión y llevarlo en la dirección que deseen. Simplemente apoyas y tratas de ser útil cuando puedas, pero siempre recordando que no se trata de ti. Creo que habrá proyectos de arte dinámico en los que los coleccionistas impondrán su ego y lo llevarán en una dirección completamente diferente, pero los mejores [proyectos] serán aquellos en los que prima, fundamentalmente, la visión del artista y ver cómo se desarrolla. Human One sigue mejorando objetivamente. La versión que está actualmente en Crystal Bridges es visualmente mejor que la original que estaba en Christie’s. Es más impactante. Tiene más elementos. Incluso tiene más enigmas en su interior.
W: Esto es un nuevo paradigma que solo está disponible a través del arte digital. Un cuadro es una declaración congelada en el tiempo. Nunca cambiará. Cuando compras un cuadro, sabes que dentro de 2, 6 o 20 años, no dirá algo diferente. Es un objeto físico congelado en el tiempo. La capacidad de tener arte dinámico que sea una conversación continua es verdaderamente novedosa en el arte digital. Coleccionar piezas así requiere mucha valentía. Estoy muy agradecido por tener la oportunidad de experimentar con este nuevo medio de esta manera.
An: Cuando estás creando una obra como Human One, ¿tienes una visión a largo plazo en mente?
W: Tengo ideas vagas de hacia dónde va todo a corto plazo y en los próximos tres a cinco años, pero más allá de eso, para ser honesto, no. Eso es emocionante y me mantiene comprometido porque puedo reaccionar a las cosas a medida que suceden. La primera actualización de Human One reflexionó sobre la guerra en Ucrania. Cuando se vendió originalmente, eso ni siquiera estaba sucediendo, así que no podía haber sido parte de la obra.
Tres vistas de la obra de Beeple, Human One (2021), que [«]ha[»] [«]evolucionado[»] e itinerado durante los dos últimos años por museos de Hong Kong, Turin y Estados Unidos.
An: Los críticos de la vieja guardia parecen tener dificultades para ver el arte digital con el valor estético que notan en medios más establecidos como la pintura o la escultura. Mike, cuando estabas haciendo Human One y S.2122, ¿pensabas en cómo llevar esa conversación adelante o incluso en cómo estas obras podrían ser exhibidas en museos?
W: Al final del día, estoy tratando de hacer algo que nadie ha visto antes. Es muy difícil hacerlo de manera profunda. Podría simplemente dibujar algo que nunca has visto, pero tal vez las ideas en ello no sean completamente nuevas. Siempre estoy tratando de hacer algo que sea un nuevo paradigma, que señale una nueva forma en que el arte podría funcionar o verse en el futuro. Ahí es donde ves la desconexión con la vieja guardia. Miran esta nueva estética y se preguntan, ¿qué es esto? Pero, para mí, eso es progreso. Si el arte es aceptado de inmediato, no ha avanzado en nada. Debes sacar a la gente de su zona de confort, y debe haber resistencia.
An: Tu trabajo tiene una fuerte fluidez con Internet. Como alguien que está permanentemente en línea, tus imágenes tienen sentido en ese contexto y como una expresión de ese nuevo medio ¿Te ves a ti mismo trabajando a través de ese nuevo lenguaje visual?
W: Cien por ciento. Lo que la gente no se da cuenta es que muchas de mis elecciones estéticas se hacen específicamente para [Internet]. A menudo critican que mi obra es demasiado obvia. Eso es a propósito. Soy muy consciente de que el trabajo se ve principalmente en redes sociales. Tengo alrededor de dos segundos para causar una impresión. Necesito ser impactante y necesito destacarme de inmediato para cortar a través del ruido de Internet. Es por eso que las piezas son más virales que muchas obras de «arte normal» que no se hacen para este medio. No puedes hacer una obra que la gente deba mirar durante mucho tiempo y leer una tesis de maestría sobre por qué es importante. La gente no se toma el tiempo para hacer eso: el trabajo que estoy haciendo es un reflejo de la forma en que debes crear imágenes y mensajes que realmente lleguen a la gente en 2023.
An: Ryan, ¿ves un papel para un coleccionista como tú en este debate estético sobre el arte digital donde se debate su importancia con otros medios?
Z: Ciertamente siento una profunda misión de ayudar a estos destacados artistas digitales a contar su historia y ocupar su lugar legítimo en el canon del arte. Me inspira mucho mi buen amigo [el coleccionista de arte suizo] Uli Sigg, quien reescribió nuestro canon al incluir a una generación de artistas chinos, o [la coleccionista Top 200] Pamela Joyner, quien reescribió nuestro canon al incluir a una generación de artistas de la diáspora africana. Hay una categoría de artistas muy talentosos, tanto en la artesanía como en los conceptos, que aún no tienen el reconocimiento que merecen como artistas mundiales. Hago esa observación sobre los artistas digitales. Ponemos muchos de nuestros esfuerzos en ayudar a contar esa historia y comunicar a los museos que estos son artistas importantes que merecen exhibiciones, reflexión crítica y rigor académico.
Beeple Studios, estudio y sala de exposiciones de 50000 pies cuadrados en Charleston. Está dedicado a mostrar arte digital. Ryan Zurrer lo ha comparado con Bell Labs y la Factory de Andy Warhol en sus mejores días.
An: Parece que parte del cambio en el reconocimiento del arte digital se ha relacionado con que la obra se vea en el mundo físico. Mike, ¿consideras importante llevar el arte digital al mundo real?
W: Eso es muy, muy importante porque creo que todavía hay personas que no han entendido completamente que este es un nuevo medio que se puede utilizar para la expresión artística y, al igual que cualquier otro, tiene las mismas cualidades de artesanía, mensaje e intención. Encontrar formas de hacer que esto haga clic en las personas es importante. Antes de los NFTs, hice mucho trabajo comercial en visuales para conciertos. Ver a las personas interactuar con el arte digital en la vida real era básicamente mi trabajo. Siempre he sabido que, cuando se muestra adecuadamente, este trabajo puede tener un gran impacto. Obras físicas como Human One o Unsupervised… de Refik Anadol son muy poderosas y a menudo son el momento en el que las personas se dan cuenta de que pueden tener una conexión emocional con este arte. Creo que es muy difícil cuando se ve la obra en un teléfono. Es una pantalla pequeña y es un entorno extraño para la mayoría de las personas para ver arte. Por supuesto, para los niños y las personas más jóvenes, es natural.
Z: Conseguir la visualización correcta es algo con lo que todo espacio del arte digital está trabajando. Una de las lecciones que hemos aprendido con el arte digital es que la escala puede catalizar la admiración en el espectador. También lo vemos en el espacio experiencial inspirador que Mike ha construido [en Beeple Studios]. Mike, una vez más siendo el abanderado, ha tomado el espacio sobre sus hombros y está innovando la visualización y la apreciación del arte digital, para que las personas puedan estar rodeadas e inmersas en él. Estos experimentos sobre cómo presentamos arte digital para que cree admiración son realmente importantes. He estado diciendo durante años que Beeple Studios se siente como esta extraña combinación de Bell Labs y la Factory de Andy Warhol, en sus respectivos momentos. Se siente como un importante caldo de cultivo de invención y creación en el arte digital.
